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故事里的歌

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《或是一首歌》田馥甄 好的歌曲,好像远方的知己,可以窥探人们的内心,静悄悄的触动着心底不对他人启齿的思绪。现实生活里成年人再难将喜怒哀乐现于人前,自己撑着很累,当听到一首歌,可以热泪盈眶,原来这世界上,有人懂我,有处安放。 距离单曲《先知》发行不到一个月时间,田馥甄的全新单曲《或是一首歌》于8月21日11时正式上线各大音乐平台,而田馥甄的第五张专辑《无人知晓》也终于在众多乐迷的期盼之中“姗姗而来”。《或是一首歌》由新生代备受瞩目乐团deca joins创作并全程参与编曲以及器乐同步录音,田馥甄在歌声中以自己的方式诠释对生活、对时间的感悟,在浪漫颓废的旋律里,带着微笑唱出对生活无法掌控的苦闷。 她说,“无法言说的,就唱在歌里” “我把我的灵魂送给你,或是一首歌,带你潜进深海里,我把我的秘密借给你,一些孤独的自言自语”,这是《或是一首歌》的前六句歌词,也最能打动田馥甄。田馥甄回想起初次听到demo时的感动:“开心能跟自己喜欢的乐团邀到歌,初次听到(《或是一首歌》)demo就觉得喜欢。开头前六句歌词完全贴近我心,传达了自己对这张专辑的心意。无法言说的,就唱在歌里。”制作人建骐老师形容歌曲的旋律很自在,歌词出奇地符合专辑的诉说,无为而自由。歌词统筹葛大为更形容《或是一首歌》是一首可以很重、也可以很轻的歌曲,灵魂的重量,或是,一首歌,何等重要,何等云淡风轻。 终于等到你!田馥甄五专《无人知晓》预售开启 「我把我的灵魂送给你/或是一首歌 带你潜进深海里」海浪般的歌声将我包裹,收放自如的气音像老友在耳边细语,安静中带着力量,亲切中温柔疗愈。 好的歌曲,好像远方的知己,可以窥探人们的内心,静悄悄的触动着心底不对他人启齿的思绪。现实生活里成年人再难将喜怒哀乐现于人前,自己撑着很累,当听到一首歌,可以热泪盈眶,原来这世界上,有人懂我,有处安放。 如梦似幻的编曲,让歌曲充满灯光昏黄的游离感觉,田馥甄以自由慵懒的声线诠释着《或是一首歌》所传达的意义,在录音时更沉迷在歌曲的世界中恣意摇摆,像是领着大家进入舞池,在镜球反射的点点繁星里,把她的灵魂交给你。人生多少无奈的体验,在音乐里一点一点被理解、被共享 [2]  。 如梦似幻的编曲,让歌曲充满灯光昏黄的游离感觉,田馥甄以自由慵懒的声线诠释着《或是一首歌》所传达的意义,在录音时更沉迷在歌曲的世界中恣意摇摆,像是领着大家进入舞池,在镜球反射的点点繁星里,把她的灵魂交给你。人生多少无奈的体验,在音乐里一点一点被理解、被共享。 今年伊始,田馥甄几乎一个月释出一首新单曲,随着《悬日》《皆可》《一一》《先知》等多首全新单曲的发布曝光,8月17日,田馥甄第五张专辑《无人知晓》同步推出CD/LP版本开始预购,用超过半年时间酝酿新专辑登场的节奏,正式宣告【无人知晓】即将于9月发行。新歌《或是一首歌》有如专辑开场白,开宗明义的引领听者,在音乐的世界,有如进入无人之境,倾听田馥甄无人知晓的心声秘密。 《STAY WITH YOU》林俊杰 孙燕姿 《Stay With You》是由孙燕姿作词,林俊杰作曲、编曲、演唱的一首歌曲。该单曲于2020年1月28日发布,是林俊杰专门为武汉加油的公益歌曲 [1]  。这首燕姿与JJ林俊杰的合作曲,作为燕姿第一支数字单曲,其所得之全部版税收入都将捐助于联合国儿童基金会。 “没有被禁锢的城,只有不离开的爱,黑夜终究会过去,让我们一起等待日出……”这首由孙燕姿填词,林俊杰谱曲并演唱的《stay with you》刚刚上线便被所有人关注。每当遇到大灾大难时,都会有优秀的音乐作品给人安慰,相信这首歌也会给人莫大的慰籍。林俊杰在微博上传这首歌时表示:“就算再艰难,爱不会离开,I’ll Stay With You。” 孙燕姿则感慨道:“几天前收到JJ的来电,他想写一首歌,致敬前线所有人员。Stay With You是我们一份心意。谢谢你们,辛苦了。”在视频的开始与结尾,他还专门放上了前几日在网络上疯传的一张图,上面写着"没有禁锢的城,只有不离开的爱",一下子击中人心,让人忍不住落泪。 网友们纷纷表示,"不愧是林俊杰",汶川大地震的时候他就曾在两天一夜内写出《爱与希望》,这次武汉受肺炎疫情影响又写出了《STAY WITH YOU》这首歌。大家都非常感谢他"一直在给我们力量"。有打动人心的作品,就不会被遗忘。 这大概就是我喜欢了燕姿九年的缘故吧。 《红色的河》旅行团&吴青峰 《红色的河》是由韦伟、孔一蝉作词,韦伟作曲,旅行团、吴青峰演唱的一首歌曲,发行于2020年7月23日. 河流燃烧起来了。 红色的河或许此刻正流过身边,而你和我却并没有意识到。 面对红色的河,我们怀抱着只属于自己的心绪。曾经被同一簇野火燃烧,但我们可能再也不会航向同一处地方。 旅行团乐队成员之外,吴青峰是这首作品的第一听众。唱过后,青峰在没有标准解答的音乐中,得到了不可名状的安慰。 在寂静中燃烧,在炙热中浸润,红色的河倒映出五位音乐人各不相同的故事。 旅行团X吴青峰合作单曲,开启2020年创作专辑的新世界。 踏入《红色的河》,你看到的是怎样的景色? 有乐迷笑称,热爱跟各路不同风格音乐人“破圈”合作的吴青峰,就好比是一杯“乐坛喜茶”。而这一次,跟青峰一同合作推出“联名款”的,则是去年跟青峰在《乐队的夏天》一见如故的华语独立乐队:旅行团。《红色的河》当然不是旅行团跟吴青峰的第一次合作。早在当年双方还没有碰过面时,吴青峰就已经在韦伟《Bye Bye》的Demo初版歌词基础上,加上了自己的想法:“谁能分辨错与对,谁能看清谁是谁,谁不坠落红与黑,把我灌醉……”而更巧合的是,从最初合作写于2013年的《Bye Bye》,到2020年终于达成合唱的《红色的河》,跨度七年的两首作品,竟然刚好都涉及到“红与黑”的意象。或许就正如他们在《红色的河》里唱到的:“是黑色与红色,总躲不掉的重合!”“红与黑”这样的精妙比喻,也颇能用来形容像“红色”一样鲜活的旅行团,以及如同“黑色”一般深邃的吴青峰。听完《红色的河》,不少乐迷心里都是诧异的:世上竟然有这么一首歌,能把旅行团与吴青峰截然不同的两种特质,呈现得如此和谐?跟青峰以往与其他艺人合作的作品不太一样的是,这首歌其实并非以青峰的个人特色为主导,而是先由旅行团的创作灵感作为发想,再加入吴青峰的意见,最终才把双方的灵感火花碰撞到一起,在这一条“红色的河”里,倒映出彼此的生命故事。但奇就奇在,《红色的河》明明是一首典型的旅行团风格作品,却又能处处暗合吴青峰近年的心路历程。这大概就是创作者之间的悲喜共通吧!身为创作才子的青峰,很少演绎由别人包办曲词的歌,于是“很旅行团的青峰”,反而带出了新鲜的听觉感受。旅行团为《红色的河》做的神仙编曲,仿佛也把河水流动时的声音质感,以音乐的方式,忠实地呈现在听众耳边,甚至还带出了一种悲壮的山河之感。而子君的吉他、徐彪的鼓,更像是精准地还原了流水在石头上缓缓流过的场景声音! 至于吴青峰与孔一蝉表面上看似平静坦然的唱法,实则上亦是暗潮涌动,是可以用“于无声处听惊雷”来形容的那种惊艳。至于两位Vocal在演绎歌曲时,选择用比以往更加细腻的声音处理方式来配唱,也是经过双方多番讨论后得出的结果。 旅行团与吴青峰之所以能够迅速达成这次的合作,都是建基于双方在音乐创作方面的相互欣赏。惺惺相惜的他们与他,就彷如高对比度的“红与黑”一般,既有着非常显著的本质区别,但同时在某个层面上,又有着最殊途同归的默契重合。 类似“红与黑”式的微妙反差,也体现在青峰与旅行团各自的发音习惯上。歌词中的“很薄”二字,到底应该唱成很bao,还是很bo?根据词典,两种发音都是正确的。而我们所能做的,就是学会去尊重,这些人与人之间本就客观存在着的不同差异。 因为疫情,分隔在不同城市的旅行团与吴青峰,是隔空完成这首歌的创作的。这种无法在现实生活里碰面的心情,也被旅行团写进了歌曲的情绪当中。听起来就很像是两个遥遥相望的人,站在河的对岸,凝视着“却忘了你我,隔着山河”的彼此一样。 虽然歌名是《红色的河》,但单曲封面却是一张黑白的线条画。而这张画也让我想起,儿时在司汤达经典小说《红与黑》中读过的一句:“一条路并不因为路边长满荆棘,而丧失其美丽。旅行者照旧前进,就让那些讨厌的荆棘留在那枯死吧。” 怎么样?是不是觉得司汤达跟旅行团之间,竟然达成了某种神奇的“隔空互文”?仿佛在《红与黑》的那一个古早年代,已经为“照旧前进”的旅行团写下了最好的注脚。是的,《红色的河》的作品深度,已经远远超过了一般意义上的华语流行曲。作为旅行团的多年乐迷,看着他们这一路披荆斩棘走来,不断探索新的可能性,《红色的河》就像是集旅行团多年创作之大成的一次“汇报演出”。无论是其无比丰富的音乐性,还是歌词背后的深刻哲思,旅行团都展现了他们越发成熟的乐团风采。 “是写了这半生总还写错的副歌”,就像一句最关键的点睛之笔,点亮了整首《红色的河》的核心所在。继续坚持创作的旅行团,愿意在试错里学习,即使写错了也不要紧,最重要的是留下作品。一个乐团只有活在自己的作品中,才是真正有价值的。 我本来以为,“红色的河”只是一个虚构的虚拟意象,然而翻查资料之后才惊讶地发现,原来云南还真的有一条真正意义上的红色的河:赤水河。每逢下雨天,流经这条赤水河的河水,就会变成红色,河的两岸甚至还满布着各种毒蛇…… 在云南有个传说,赤水河里住着一条蛟龙与一位英雄,千年来一直没停止过打斗。每到下雨的时候,就是蛟龙被英雄刺伤流血、染红河水之时。传说当然是假的,但在资本挂帅的华语乐坛,选择单打独斗的旅行团,其实也很像那位赤手空拳、勇抗强龙的英雄吧! 这些年来,旅行团对音乐创作不计代价的全情投入,其实我们大家全都看在眼里。经历了《歌手》《乐队的夏天》洗礼之后的旅行团,仿佛也走进了一条再也没有回头路的“红色的河”。他们选择无视河边的一切荆棘,毅然地继续淌着河水,摸着石头过河。 《红色的河》里的那一句“世有无望的福歌,亦有无望的祸责”,其实正是脱胎自《资治通鉴》中的“世有无望之福,亦有无望之祸”。如何在周遭一片无望、绝望之中,仍能乐观地看到一点希望?感谢始终充满正能量的旅行团,为这首歌留出了光明的尾巴。《红色的河》是一首充满了画面感的歌。戴上耳机聆听时,我仿佛看见眼前的这条河,正在川流不息地往前流淌着。之所以强调要用耳机听,是因为很多细节的部分,外放音箱是无法感受到的。青峰与孔一蝉的两条音轨互相交叠,也很像在你耳边低声细语一样。 所以,旅行团也向各位乐迷发出了一个温馨提示:“佩戴耳机收听,收获独有的时刻。”那些波澜起伏的命途多舛,那些左右声道的交替穿梭……可能只有在一个人用耳机独自听《红色的河》的午夜,才得以在你我的脑海中隐然浮现。 2020年难忘的上半年,可能也是在我们的人生当中“独处”时间最长的一个时期。在这一段漫长的“跟自我相处”的时间里,旅行团这一首书写孤独者自我思辨的《红色的河》,亦是最适合我们一个人聆听的生命背景音乐。 以往我们都习惯了在各种音乐节的舞台上,与旅行团的音乐不期而遇,然后再听着他们的歌,在草地上摇摆起舞。但在最近这些不得不暂别线下Live的日子里,告别了音乐节的汗流浃背之后,曾经厌恶挤在人山人海里的我们,却又开始格外想念人群。 《红色的河》的创作者之一韦伟,在微博上是这样说的:世界好乱,此刻我们还在玩音乐,所以我们是幸运儿……我不再抱怨,我只怨恨自己今晚又吃多了。我们在录一首给你好多爱的歌,又高又大又空,但我觉得世界很需要这样的歌,起码我需要。 “把疼痛加热”的《红色的河》,正是如此一首“世界很需要的歌”,连青峰也说被这首歌深深地抚慰了。这一年,在彻底感受过无助、无望的刻骨痛楚之后,或许我们才能听懂,旅行团想要透过《红色的河》说的话:无论如何,还是要对生命保持热忱啊。 “我们继续着继续着走着,终于悄悄地悄悄地,飘摇在这红色的河……”由首波主打《红色的河》开启的这张全新专辑,将是旅行团的音乐生涯中,最具里程碑式意义的重要一步。时代洪流湍急,而他们终究是要在风雨飘摇之间,走出属于自己的路。 《不爱我》薛之谦 薛之谦新专辑问爱单曲|不爱我 若即若离 小心翼翼着 忽冷忽热 执着没变过 薛之谦第十一张专辑第二波问爱单曲《不爱我》正式上线,歌曲由薛之谦作词,合作音乐人王圆坤共同作曲,编曲极具层次感,音乐深邃渐入人心,在迷人烂漫的秘境里,以柔情裹挟内心斑驳,卑怯又执着。歌曲由弦乐营造低沉气质,融入电子音乐元素,寂然灵幻的空间氛围萦绕,深陷于此却清醒照旧,在自问自答里受挫。 你情意微忱,我告诫自己,终抵不住万千期许。薛之谦沉静诠释歌曲,低吟旋律中纠结又执意的心绪,爱不爱或许都是折磨,无碍于在明知故问里坚持自我。只身藏匿在无尽循环的疑惑,答案烂熟仍不甘偏要内心波折。 小时候 我们拿着一朵花 问: 你爱我 你不爱我 你爱我... 长大后 我们会一边生活 一边等你... 从歌词里我们似乎可以看出对爱情的渴望,也看出了爱情里的慌张,“爱不爱我”可能是情侣之间出现最多的问题了,其实爱不爱说不说没关系,关键是看你的行动,有的人嘴上说爱,但是行为上却没有让你感到一丝温暖,有的人虽然不善于表白,但是却让你心情一直愉快
看过了那么多经典有趣的影视作品 你是否注意到过其中的BGM呢 当你听到那首熟悉的音乐 脑海中浮现的便是熟悉的画面 今天就来听听那些耳熟能详的BGM 《He is a pirate》 这是著名电影《加勒比海盗》的配乐,每当电影的主人公杰克船长将剧情推向高潮时就会响起。该曲是十大气势背景音乐之一,许多电视节目中都用到过。当前奏响起的时候,你就会感到热血澎湃,没有任何铺垫,没有任何拖拉,明快的节奏、恢弘的气势,让人仿佛置身于风暴中海船上的感觉。这是一首感人的、有气势的自由之歌,它将自己诠释的天衣无缝。 《我不入地狱》 从过去的星仔到现在的星爷,周星驰给了我们太多的感动。这是电影《功夫》中的斧头帮跳舞时的原声音乐,这段配乐风格是暗和爵士韵律的“串烧”,成功的运用交响乐配合模仿出踢踏舞的滑稽效果,同时又营造出步步紧逼的气氛。 《The final Countdown》 电影《赌神》周润发进场时那段过耳不忘的旋律,如今在网络上也多被用于出场背景音乐。赌神系列令多少热血青年沸腾不已,发哥的发型、衣服、动作被大家争相模仿。这首背景音乐响起,多少人燃起心中的赌神梦。 《いつも何度でも(永远同在)》 这是木村弓老师为《千与千寻》演唱的主题曲,也许没有看过这部动漫的人在听到这首歌时也会情不自禁跟着哼唱几句,仿佛是在音乐盒里陪伴我们长大的旋律。这首歌和电影一样澄澈温暖,每当它响起,脑海中总会浮现出白龙对千寻说:“朝前走,穿过那个隧道就可以了,千万不要回头哦!” 《NARUTO Main Theme》 如果你是个火影迷,那么你肯定对这首主题曲再熟悉不过了。尺八的空灵深邃搭配电子乐器的高昂激烈,凸显出忍者对战的剑拔弩张,飞沙走石,没有人能在这个BGM下打败鸣人。
“民谣”的概念庞大,但是在音乐风格的语境里和民歌不同,我们如今分类音乐风格是按照西方音乐的发展历史来分的,所以民谣是指美国民谣复兴运动以及之后出现的Folk音乐或者Ballad音乐。民谣这个词非常宽泛,它覆盖了非常多的民族的东西。民谣表现一个民族的感情与习尚,因此有其独特的音阶与情调风格。民谣虽小,但可以从中窥见世道人心,反映一时的社会风尚和舆论趋向。它总是不动声色地戳中听者的内心,歌词或诗意或粗俗,却永远是一副不作伪的真诚姿态。它是一整团难以言明的精神感受的合集。你可以说它是被吟唱的诗歌,也可以说它是旋律性的对白。民谣之所以被喜欢,就是因为能够激发人骨子里的浪漫。总有人在为生计烦恼,也总有人愿意终生浪漫为伴。 《鲍勃•迪伦 Bob Dylan:完全收藏》假如没有鲍勃•迪伦,摇滚乐将会走一段弯路。作为20世纪最重要的民谣歌手,他直接影响许多同时代与后来的音乐人,如尼尔•杨、布鲁斯•斯普林斯丁、约翰•列农等。鲍勃•迪伦用深刻的歌词,赋予音乐以社会内涵,给了摇滚乐一颗炽热的灵魂。 《鲍勃•迪伦 Bob Dylan:完全收藏》精选集跨越40年之长,收录鲍勃•迪伦各个时期具有影响力的代表作,在一定意义上,可以探视其音乐演变轨迹和传奇不凡的精彩人生。 这两张一套的精选集,基本上以1970年分作两个阶段。第一个阶段就是鲍勃•迪伦影响力喷薄的60年代,他的贡献就是用歌词赋予了音乐深刻的社会意义,同时他也是20世纪60年代美国民权运动的代言人,因此他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的。CD1便是从他第二张专辑《The Free wheelin’ Bob Dylan》中的两首单曲《Blowin’ In The Wind》与《Don’t Think Twice, It’s All Right》开始,一路宛如点兵点将地唱到六十年代末期《John Wesley Harding》的出版。 70年代之后的阶段,人们对他褒贬不一。有抨击他倒退到乡村音乐的平淡和伤感,也有对他后期回归摇滚和民谣的赞赏。CD2便是从他因车祸受伤后转而向美国乡村音乐致敬的《Nashville Skyline》开始,一直唱到2000年出版的《Wonder Boys》。 《鲍勃•迪伦 Bob Dylan:完全收藏》精选集用整整30首经典歌曲,非常仔细地帮乐迷作了一次很简明扼要的介绍巡礼,藉着用数字混音重新录制的清晰音质,让我们一起重温鲍勃•迪伦跌宕起伏的音乐生涯 “就像一颗滚石” ——民谣教父鲍勃•迪伦的音乐传奇 当历史不停向前驱驶时,有些人永远走在历史的前端,为历史留下足迹,而其中鲍勃•迪伦便是这么一位开创历史先河的吟游民谣诗人。尤其在1960年当他初次踏上纽约的格林威治村时,谁也没有料想到这位看起来不怎么起眼、苍白消瘦的十几岁少年会是影响20世纪往后30余年最重要、最具影响力的重量级歌手。 就音乐风格而言,鲍勃•迪伦深受Woody Guthrie的影响,而且在其它方面如腔调、服装、姿态等等也都无不模仿Woody的神情。特别六十年代是一个风起云涌的转变时代,而鲍勃•迪伦则在被传奇制作人John Hammond发掘后,便开始连续录制了好几张非常具政治意识的民谣抗议歌曲,这样的大胆作风旋即冲击了当时的乐坛,当然也立刻获得各方评论界的一致赞扬。甚至在当时整个乐坛已逐渐被众多英籍兵团入侵之时,鲍勃•迪伦却都还能在排行榜上占有一席之地,也益发证明了他在当时确实激励了无数的青年也开始拿起吉他唱出属于他们世代的民歌。 迪伦的影响力主要体现在60年代,他对音乐的最主要的贡献是歌词的深刻寓意与音乐成为同等重要的一部分,从他一开始的抗议歌曲,就展示了他的歌词比他的音乐更浪漫、更激动人心。他对工业国家整个一代人的敏感性的形成起了很大的作用,他的音乐对理解和分析60年代是至关重要的。 70年代之后的鲍勃•迪伦,有着与激进时候的60年代更加丰富多彩的人生经历。迪伦的个人生活方式在他所创作的歌曲的千变万化的无秩序中得到准确的反映,因此,他有过因倒退到乡村音乐的平淡和伤感而遭受抨击和谴责,也有过回归摇滚和民谣之后的赞赏。在这期间,除了录制唱片,鲍勃•迪伦还出版过文学作品、参演过电影、举办了无数的音乐会和巡回演出。而在他后期发行的音乐作品中,不变的是他对社会和人性的探索与剖析。2006年8月底,老迪伦发行了他第48张专辑《摩登时代》(Modern Times),随即登上美国排行榜第一名。 鲍勃•迪伦的音乐轨迹直接影响了一大批同时代和后来的音乐人,例如尼尔•杨、大卫•波维、娄•里得、布鲁斯•斯普林斯丁、约翰•列农等人,并被时代杂志选为本世纪最有影响力的100人的名单。如果没有迪伦,无疑摇滚乐将走一段弯路,将不会有“披头士”(THE BEATLES)的《佩珀军士孤独之心俱乐部乐队》(Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band),不会有“滚石”的《乞丐的宴会》(Beggar’s Banquet),也不会有“乐队”的《来自大平克的音乐》(Music form Big Pink),这就是他的影响程度。 纵观其传奇的音乐生涯,鲍勃•迪伦堪称赋予了摇滚乐以炽热的灵魂,并且一直用他不屈的生命,顽强地表达着他对社会对人性的抗争,就如他那首经典名曲《Like A Rolling Stone》,像一颗不断跳动、永不安分的滚石一样。 初识陈粒是因为初中同学的一首民谣弹唱《奇妙能力歌》在毕业班会上无比帅气地收下了很多女孩子的心。这首歌是由陈粒作词,作曲并演唱的歌曲,收录于2015年2月2日陈粒发行的专辑《如也》中。《奇妙能力歌》入围第四届阿比鹿音乐奖最受欢迎民谣单曲,并获得了第五届阿比鹿音乐奖最受欢迎民谣单曲。后来也喜欢上了陈粒《走马》,这首歌每个人都会听出不同的故事,他仿佛是一个人在孤独社会上的挣扎,但最后又充满希望的缩影。我曾经反复的端详《走马》的歌词。感觉像是一个姑娘喜欢一个人但是又没有勇气表白,后来鼓起勇气表白成功。但是又像是一个男孩开始追一个女孩但是女孩犹豫不决最后男孩放弃,后来女孩后悔放走他走。 陈粒的音乐属于民谣的框架,却不好完整概括,她给自己的属性镀上了“Anti-Folk”的字样,这个反民谣的标签,或许是她特立独行的处事原则,不安于任何一种风格,不签唱片公司作茧自缚,不被歌迷简单定义,孤傲而自得其乐。她的歌声里掺杂了巫气,鬼魅,冥想,像一杯明晃晃的妖艳毒酒,明知有毒你也会一口气喝下去解渴,因为错过这次解渴机会你将后悔。 陈粒的音乐里充满着灵动,有絮叨,却只限于梦里的自言自语,不做过分的牵念和描述;陈粒的音乐里有一个无比巨大的自我,却只像一个影影绰绰的模糊倒影,不做太多的自恋描画。这种怪诞的抽离,是歌词上的吊诡造句,还是情绪上的难以捉摸,很难有一个参照标本可以直接拿来比较。 小半 陈粒 - 小梦大半
2019年最成功的综艺是哪一个?这个问题应该没有什么疑问。 马东和他《乐队的夏天》成为迄今为止唯一一档将“乐队综艺”做成成功案例、并且用一个夏天的时间,打造出的又一个爆款综艺品牌。 以至于2020年过去一半,好多年轻人都在翘首期盼的综艺节目依然是它——《乐队的夏天》第二季。当《乐队的夏天》终于官宣第二季的参赛名单时,或兴奋或失望的死忠粉也直接炸了锅。毕竟,最终公布的33支乐队名单,相较于之前网上盛传的版本还是有不小的出入。 乐队的夏天是一档由爱奇艺出品、米未联合出品并制作的重磅原创音乐综艺,由周迅、大张伟、张亚东、马东担任超级大乐迷。节目集结了野孩子、达达、joyside、后海大鲨鱼、重塑、傻子与白痴、福禄寿等33支最具代表性的青年原创乐队,将通过一场场精彩的现场表演,多维度呈现乐队的独特风格和魅力,竞逐2020年度HOT5乐队。 “蝉鸣的波涛,是夏日的曲线”,这是去年看乐夏时写过的一句话。这一年的乐夏,曲线似乎是放大的期待吧。来的有些晚。 积极注射文艺戒断针 不造作不矫情 不问问题 比如一段旅程始于哪里结束于哪里 问了会很麻烦 所有问题与答案已经混杂得无法分辨 因为时间太长 长到连过程都忘了 那些或闪光或灰暗的片段竟不那么有意义 怀念便成了一种习惯 也许这都不重要了 关心新的电影,新的综艺,新歌,新的八卦才是重要的 很多年前不也是这样么 并没有什么不同 有了更多的分享不是很好么 很热闹不是很好么 妈妈总是对的 我们什么都不缺 古人也是对的 爱上层楼,欲说还休 2018年, 刺猬,一支乐队 他们写出了这样一首歌 《火车驶向云外,梦安魂于九霄》 虽然马不停蹄 不过请放心 珍贵的已被好好安放 不须回望 身后已人山人海 窗外景色太快了 但停下来 却已抵达故乡 听到 “叹世万物皆可盼 唯真爱最短暂 失去的永不复返 世守恒而今倍还” 开始有些释然。 那些我逃避的东西,终究会以不同的面貌找到我。 无论我如何苟且偷生,该面对的一样都不会少 听到 人世间悲喜烂剧 昼夜轮播不停 纷飞的滥情男女 情仇爱恨别离 一代人终将老去 但总有人正年轻 仿佛,我已经跨越了这个揪心的阶段,逃脱出了一段刻骨铭心的爱恨情仇 在山顶上望着朝阳,释怀一刹那。 好的歌曲会给人信仰 安慰当下,又抵御未来 这就是我最近听刺猬的这首歌的全部感受。 《逝去的歌》旅行团 1.《逝去的歌》旅行团乐队 旅行团的故事发生在广西柳州。 1999年,还在读高中的孔一蝉和堂弟韦伟在学校里组建了乐队,后来他们认识了子君,出于对音乐的共同热爱,他们走到了一起。 2004年底,他们带着录好的几首小样,坐上绿皮车,来到了千里之外的北京。 自2004年至今,他们来到北京已经近15年,在这15年间,他们回家的次数并不多,对他们来说曾经是坚强后盾的亲人已经老去,在经历了亲人的离世后,他们的心境发生了改变。 《逝去的歌》就是在这样的情境下写出的。 作词人韦伟在谈及创作背景时,他直言不讳地分享当时的故事,他说:我从小到大一直都曾幻想,如果有天我离开了这个世界,我身边的人会有什么样的感想,我会留下什么。所以我势必要做些有意义的事,让大家记得我。最后,我所有想象凝聚成这首歌来表达。 逝去的歌,唱的是逝去的岁月,追不回的青春,不再并肩同行的人,和不再熟悉的故乡。 我们总是会不自觉的在某个时间段怀念起过往,并深感伤怀,却又变得更加懂得平和的珍贵。、 《雨夜曼彻斯特》盘尼西林 “I want to find the light and now I want the bright.” 《雨夜曼彻斯特》 我想追寻那束光。从现在起我要光明。 故事体歌词模式。相似的还有涅槃的《Where Did You Sleep Last Night》,用歌词讲述一个完整的故事。 很像是抑郁症在生活中拼命地寻找光明,终于在雨夜找到了那个老人,给了他一个理由,可以好好生活。也许,有的时候,不需要经历什么惊心动魄、荡气回肠,只要那么一个小小的理由,我 就愿意光明。故事感太强,仅一首歌的时间,如同在放映一场激动人心的电影。 异国的冷雨夜,独行的少年。突遇行乞的老人,给予他身上所有的硬币,老人回赠一道璀璨的光芒,便转眼消失在天际。时光飞逝,老人的面容虽已淡去,雨夜的光明却印记于心。 如幻如影,如梦初醒。 老人是指路人,希望与正义的化身,是人们身处迷茫时刻可遇不可求的贵人。鼓舞人心,令人神往。善有善报,心之所向,必毅行往矣。勇敢善良坚毅的少年,不羁的脸,像天色将晚,更是好生迷人…… 狂放的想象,瑰丽的浪漫。 Oh 我是多么地爱这激燃的前奏 爱这奇幻的叙事风格 Oh 我独自走在路上 心中早已狂野高歌…
《给我一首歌的时间》是周杰伦演唱的一首歌曲,由周杰伦作词、作曲,林迈可编曲,收录在周杰伦2008年10月15日发行的专辑《魔杰座》中。《给我一首歌的时间》是周杰伦这张专辑继《稻香》后另一首自己作词的全创作歌曲,描写周杰伦当时的爱情 [2]  。 没有做完的梦最痛。 ——《给我一首歌的时间》 2010年6月13日 台北小巨蛋 座无虚席 人声鼎沸 周杰伦的第四场大型巡演——《超时代》演唱会,首演台北站的进入了最后一天 几个小时的劲歌热舞之后,演唱会进入尾声,灯光暗了下来, 全场观众奋力大喊“安可”“安可”“安可”,等待着周杰伦的返场表演, 台下收到风会有大新闻的各家媒体,也有些不耐烦了,免费看演唱会是好,明天怎么交稿啊? 就在这时《给我一首歌的时间》的前奏响起,灯光亮起,周杰伦边弹边唱,如玫瑰花中的王子,等待着他的公主到来。 歌迷们沉浸在返场的惊喜中,并不知道有一个更大的惊喜正在准备着。 进入副歌,主持人介绍着“让我们欢迎今天的特别来宾——蔡依林!” 全场沸腾,真的是蔡依林吗?!活久见啊!不会吧,他们都5年没同台过了! “你说我不该不该,不该在这时刻,说了我爱你!”熟悉的女声传出,一个娇小玲珑的身影随着升降台出现在了远离周杰伦一端的延伸台上。 有人说:“演唱会上,蔡依林走向周杰伦短短的十几秒,用了我整个青春的时间。” 双J不仅是时代的印记 也代表了广大8090的青春 给我一首歌的时间作为双J的经典合作舞台 和J1的倒带+布拉格广场一样 都是经典中的经典 它见证了双J的成长 也代表我们回不去的青春 那一天,他们用贴身热舞暧昧满满的完美表演,给大家青春里的乐坛金童玉女画上了句号。 也利用一直和他们事业纠缠在一起的台湾媒体,给了彼此一个最好的头条。 只想说蔡依林不容易,能走到今天,全凭内心一股力和一口气熬过来的,所有往事都如烟,只有今天牛掰的自己是扎扎实实能抓到手里的。祝她以后都开心,永远充满力量的活着,当然找到一个陪自己的人更好。 1980年,蔡依林同学出生在台湾新北市,和杰伦是老乡哦~ 她从小就是一个只知道读书的乖乖女,梦想当英文老师,站在阳台唱歌是她从繁重的学业中放松的方式,在不知不觉中也提升了自己的唱功。1998年,在台湾景美女中(台湾三大女子高中之一)就读的蔡依林,为了获得保送辅仁大学英文系(台湾前三的英文系)的名额,参加了MTV音乐台举办的“新生卡位战”音乐比赛,凭借翻唱多次以惠特妮·休斯顿、玛丽亚·凯莉等歌手的歌曲晋级,在总决赛中以一曲《Greatest Love Of All》夺得总冠军中夺得冠军。顺利进入辅仁大学英文系。 同时,被环球唱片发现,签约为艺人,进入歌坛。 1999年9月,Jolin发行首张专辑《Jolin 1019》,以传统芭乐情歌为主收录了《我知道你很难过》、《你是谁》等12首在内的歌曲 ,专辑发行首周销量超过六万张,并接连获得亚洲唱片、玫瑰唱片等销售榜冠军,开始走红,每次签唱会都有大量高中男粉呐喊支持,唱片公司精准定位,推出“少男杀手”的营销方向,一炮而红,人气高涨。 2000年,推出第二张专辑《Don't Stop》,开始尝试快歌,专辑大卖22万张。 出道不到一年,就开了几场万人演唱会,实力可见一般,同时接到十多个广告代言。 2003年3月7日,蔡依林推出个人第五张专辑《看我72变》,收录了《布拉格广场》、《说爱你》等在内的11首歌曲,这张专辑融合Hip-hop、复古Disco、Funk等音乐元素,周杰伦为制作人之一。 2004年之后的台湾媒体圈和娱乐圈,随着网络时代的来领,全民狗仔风气的兴起,整个娱乐圈呈现出一种“娱乐至死”,“审丑”为王的亢奋感。 《康熙来了》在全华人社区群体的走红,将明星拉下神坛,民众喜欢这样的方式,类似的节目越来越多,培养出了主动曝光隐私的通告明星群体。整个网络时代,便捷的通讯方式,轰炸式的新闻报道,各种论坛板块的强势兴起,网络音乐的兴起,实体唱片行业越来越难。 每个明星都卯足了劲,或是自愿或是被动的配合着这些风气,创造出各种吸引眼球的新闻,生怕一不出现,就被其他新闻掩盖,被民众遗忘。 但是,随着隐藏在键盘背后的网民群体的不断壮大,渐渐地,明星和公司都发现,他们很难控制民众的声音,很难消除一些负面的影响。 在这样的背景下,歌手们一边要配合民众的窥私需求,主动曝光,吸引流量。同时,又要加油推出好的作品,以免被挤下。 接下来一起听听这首 布拉格广场 2005年4月,发行第七张国语专辑《J-Game》(内地版为《野蛮游戏》),脱离周杰伦后的首专,媒体普遍对“没有周杰伦的蔡依林”持不看好态度,因此呈现两极化的评价。而在这张专辑中蔡依林和王力宏合作,尝试嘻哈和饶舌曲风,里面的《独占神话》真是百听不厌。 这一年,蔡依林是无合约的身份,但也以《爱情三十六计》登上了内地春晚,在内地的知名度大增。和原公司合约到期,不续约,结束了合作。发行了2本英语书,圆了自己相当英文老师的梦想。并且发行了《J1 live concert》的巡演实录,全年忙不停。 2006年,最后销量统计出来,在整体唱片不景气的情况下,蔡依林的《舞娘》以26万的销量获得台湾年冠,第二名是周杰伦的《依然范特西》24万,陶喆的《太美丽》位列第十,销量7万。 整个实体唱片行业都不景气,销量更是一年不如一年。 在这种情况下,蔡依林逆势夺得年冠, 在隔年的金曲奖颁奖典礼上,更大的惊喜等着蔡依林。 她凭借舞曲专辑《舞娘》夺得了最佳国语女歌手,从温拿乐队手中接过奖杯,也是唯一一个凭借舞曲夺得金曲歌后的女歌手,在台上,她哽咽表示:“谢谢曾经不看好我的人” 同时,和陶喆合作的《今天你要嫁给我》,也成为了最佳年度歌曲,捧得大奖而归。 据此,蔡依林用一张漂亮的成绩单,说明自己不靠周杰伦的词曲也有一片天地。 2007年9月,蔡依林推出全新舞曲专辑《特务J》,首次尝试同名音乐微电影的方式,真的让音乐录像带的拍摄理念、手法和方式进步了很多。这张专辑也有了全民大爆曲《日不落》,该歌曲发行后获得第六届HITO流行音乐奖年度听众最爱歌曲、第十五届北京流行音乐典礼年度金曲和第八届全球华语歌曲排行榜最受欢迎二十大金曲等奖项。2008年1月《日不落》获得中国台湾Hit Fm百首单曲冠军。并且蝉联了2007年的台湾地区专辑年冠,成为台湾地区最后一张破20万销量的专辑。 唯一不变的是现在40岁的蔡依林跟20几岁时候一样拼命,拼命做音乐、拼命拿出一切优质的东西。 为了做好每一场演唱会,她花重金聘请麦当娜专用伴舞团;每一场巡演要求音乐重新编曲。 物有所值,她要对得起每一位掏钱看她演唱会的粉丝。 40岁的她才懂得:你不必要让每个人都喜欢你。 就像一位作家说的那样:随着时间的流逝,喜欢我的人可能也不再喜欢我,会有旧的人离开也会有新的人进来。每个人在不同阶段需要的东西是不一样的。 20岁的蔡依林唱男女情爱,40岁的她在歌曲上想要表达出更多的东西,有人会喜欢,也有人不喜欢。 不喜欢也没关系,她早已经不是那个因为外界评论而产生自卑的小女生。   在第30届金曲奖的颁奖礼中,她说过一段令人印象深刻的话:“叶永志提醒了我,在任何情况我都可能成为“某种少数”,所以我更要用同理心去爱我任何身边的人。这首歌先给他也献给所有曾经认为自己完全没有机会跟选择的你。你一定要记得选择你自己,支持你自己,谢谢。” 这也是这么多年为什么一直有人喜欢蔡依林的原因,她足够认真、拼命努力让自己保持前进,敢于为这个时代发声。 为了不让自己有一天成为某种少数,所以她要努力站出来告诉大家如果今天的你不发声,明天的你可能就会成为下一个少数群体。 这才是这个时代所需要的人,像Jolin一样努力拼命走在“前头”的人。 Jolin不是众多女歌手中最有天赋的一个,但是她一定是最努力的一个。曾经经纪公司的老板也曾评价她:我对谁都可以不放心,但是对Jolin我百分百放心。她是一个可以将任何事情做到一百零一分的女生。 尝试了也不完全会成功,当你花费一百零一努力的时候就一定会成功。 最后,用她在《地才》演唱会的纪录片里说的一段话结尾吧:他们说Jolin不是天才,Jolin是地才。我一直很相信,努力一定会成功。
但有音乐、有广东歌、有陈奕迅的斜阳夕照,又何须惆怅近黄昏。 继许冠杰、郭富城之后,陈奕迅上周也宣布在线上举办慈善演唱会,时间选在了7月11日早上6点及下午5点进行直播,用音乐定格这一天的日出与日落。 但因未能预测这一天的天气是否能如预期稳定,且为了避免日出时分人多聚集,日出时分的音乐会改在了10号凌晨至天亮时分提前录影。在录播的画面中,伴随着Eason的歌声,我们看着天色逐渐亮了起来,破晓的曙光从维港升起。前奏响起,Eason在一片晨光之中开始唱《太阳照常升起》。即便是隔着屏幕,那也是让人不禁想要流泪的一刻。这些日子来因为生活不如预期而产生的失望,就这样被Eason的歌声所治愈。天空、大海、音乐,在它们广阔的怀抱里,我们又再一次与世界和解。尽管只有短短的20分钟,却也足以让我们在以后不开心时,再翻出来勉励自己。 在散文集《就算天空再深》中,林夕曾这样描写过他对于日出日落的体会:「太阳本身不升也不降,也没有刻意照顾我们的心情,相反是我们地球转动,才有了日出与夕阳的分别。」于是他在《太阳照常升起》里写「晨曦只懂普照,谁人会较谁重要」,在《夕阳无限好》里写「好风景多的是,夕阳平常事,然而每天眼见的,永远不相似」,教会人们认清现实之余,也鼓励我们学会挖掘平凡生活中的魔法,随时相信有遇到奇迹的希望。 这也正是Eason这次以日出日落为时间点演出,想要传达给大家的信息:无论今天的状况有多坏,明天都会是新的一天。你不会知道新的一天是好是坏,正如地球不会因为你的心情而改变,生活仍然要继续。无论好事还是坏事,最终都一定会过去。 就像每天在尖沙咀海滨晨运的香港市民们,也不会料到在7月10日这样平凡的一天,会偶遇到正在唱live的陈奕迅。日出日落,已是平常事。「然而每天眼见的,永远不相似」。无论是好是坏,发生的事就像当时的天色一样,再也不会有了。来到傍晚时分,《夕阳无限好》如约而至。场地从室外转移到室内,已近200日没有举行过任何演唱会的红馆在夕照之下再次焕发生机。一个阳光下的空镜,紧接着便是一段悠扬的小提琴声,伴着琴声衬底,意境绝美。 「夕阳无限好,只是近黄昏」,这一句话原本出自唐代诗人李商隐的诗作《乐游原》,诗人将其对时代、家国沉沦之痛惜,及对自身身世迟暮之悲悯,熔铸于一幅黄昏夕照下的画面中。而当同样的题材交至现代词人林夕手里,最终出来的作品也丝毫不逊色于1000多年前的这首唐朝名作。「歌后刹那已走」、「山丘转眼变蚁丘」、「放低事物」、「海岛一秒变废土」、「青春偷走」……林夕借致敬歌后梅艳芳为题,将当下的事物变幻一一细数,微微透出因目睹世事变迁而产生的无力感。 也许是因为日落时分代表的是白天的终结,相比起日出,夕阳在视觉上给人的感觉更艳丽。像是因为知道这将是自己退场的演出,于是拼尽了全力,只为在黑夜来临之前,抓紧时间展示自己色彩最张扬的一刻。 是啊,既然明白「高峰的快感刹那失憾,风花雪月不肯等人」,何不放胆地献吻? 《夕阳之歌》梅艳芳 千千阙歌、夕阳之歌、风中的承诺这三首歌均翻唱自日本歌手ohji Makaino(近藤真彦)的《タ烧けの歌》,所以三首歌的调高和节奏是一样的,不同只是歌词和歌手演绎的风格。 这首歌与陈慧娴的《千千阙歌》旋律一样,但传唱度却不如后者。所以得从两首歌的情感来分析,《千千阙歌》讲离别之情,《夕阳之歌》是人生之歌,情感沉重,不能迎合大多数人的心情,阿梅的声线也决定了这首歌不能被大多数人驾驭。 最后一场演唱会,她当时病入膏肓,强撑着极重的裙,在喘气都艰难的情况下,依然不失台风地表演。 压轴歌是《夕阳之歌》,梅艳芳身着婚纱出场。 03年梅姐拖着病重的身体在红馆一连开了8场演唱会,最后一首歌她穿着婚纱,唱了这一首夕阳之歌。这首歌梅艳芳最喜欢的歌曲之一,不记得她在什么场合说过她觉得这首歌写得很像自己,但很多人也因这句话觉得这首歌是梅艳芳一生的写照,总体想法不过是认为她有一个豪放、精彩却又悲壮的人生。她把自己嫁给了舞台,嫁给了歌迷,40天后,与世长辞。最好的两位影视双栖巨星在同一年离开人世,怀念那个时代,慨叹自己生不逢时。在病入膏肓、身体极度孱弱又穿戴着沉重的演出服的情况下,她的声线已经是沙哑颤抖地难以控制,这首歌能完成至如此水平,真是个奇迹,歌声中满是沧桑、坚毅与不舍。不愧为女中豪杰,令人敬佩亦扼腕。 当她穿着婚纱将自己嫁给歌迷和挚爱的舞台,一群好友在她两旁站着为她加油打气,最后托着她的手,拉起她的尾纱步上红馆阶梯伴她作最后的告别。我脑海中一直循环的是“曾遇上几多风雨番,编织我交错梦幻,曾遇你真心的臂弯,伴我走过患难”这句歌词。 阿梅一生未嫁,身边始终不能有一个衬她一生的伴侣,但她曾说过自己的感情观:“曾经拥有的,我会感激。”而我们其实也都明白,重要的不是我们最后得到了什么,而是那个过程能否让你感到幸福。而又或许身边的一众好友带给她的感动和温暖能将这缺憾弥补一些,告别演唱会期间其实有一大堆人默默支撑着她,歌迷,亲人,朋友,也有曾经的旧爱坐在台下给她支持。张国荣也说,梅艳芳得到的友情很难得,令人极其羡慕。 也许阿梅到最后未曾得到一纸婚书,但她一直拥有的一些东西,是很多人穷极一生都无法得到的,从未忘掉初心的阿梅,对她所拥有的一切,一直都铭记在心,感激和回赠。 《夕阳下》 这一首是尤为喜欢的,gai的说唱部分分为了普通话和方言。方言的部分我觉得很突出,整首歌画面感突然就出来了,一个背乡漂泊的汉子坐在火车上,看着远方的夕阳,虽然生活给了他不少苦头,但是仍然对前方充满希望。就像一段独白,但是旋律非常好听舒服,没有声嘶力竭,没有痛苦呻吟,但是足够有力量,暖得让人忍不住一直重复这段。 大概这就老天赏赐的天赋吧。 希望gai真的能够把这些坚持下去,不要淹没在商业的套路中。 金属柔情 夜叉HipHop版《夕阳下》重装新发 日前,夜叉全新改编并重录的单曲《夕阳下》正式发布。该作品原曲曾收录于乐队2015年出版的《暗流》专辑里,是区别于夜叉激猛金属风格的一首“在路上”情怀之歌。就原版本而言,全新上线的《夕阳下》在延续原曲旋律和情感基调的道路上,大胆尝试了融合与风格突破,从而使作品的音乐听觉感官和故事主题进一步深化。 重录的《夕阳下》可看作是该单曲的不插电说唱版,为此,夜叉邀来了多方音乐人士齐力合作。其中,有着“国内RAP界鬼才”之称的说唱歌手GAI的倾情rap外加其川渝方言特有的抑扬顿挫,职业音乐人孔鸿的口琴吹奏以及中国最具影响力DJ Wordy特色的scratch和beat,无不赋予该作品全新生命力。夜叉坦言一直很想做一首纯箱琴的歌,而早在创作《夕阳下》时就觉得这首歌的beat特别适合hiphop,因最近与GAI的一些工作机缘,又跟DJ Wordy和孔鸿是老朋友,所以合作便一蹴而就,顺理成章。此外,hiphop不紧不慢的律动,说唱的娓娓道来,口琴温暖的感觉,都很适合这首在路上的情怀之歌。 从金刚怒目到沉思冥想,夜叉音乐中的力量与思考始终未曾改变,在爱的感召下寻求心灵归宿的情怀在《夕阳下》这首作品里彰显无疑。2014年,夜叉在318公路上,开始了从成都到拉萨的骑行巡回演出之旅,在318骑行巡演的纪录片里,记录了险象丛生的崎岖道路与苦中作乐的趣事,《夕阳下》即是在那次骑行经历中有感而发写就的一部厚重之作。 “遍体鳞伤的我从不后悔,渴望着自由的心未曾退”,“原谅我性格偏狂,旅途很漫长,我会变得更加坚强”。如歌中所唱,在追求自由的路上,“遍体鳞伤”无可避免地成为贯穿其中的宿命。而夜叉在歌中所要言说的,则是在这种宿命下,身心在往复的挣扎中仍然不失坚忍与刚毅的品格,“我会一直在路上,翻滚着自由的心如此倔强。” 骑行是出走,更是回归,夜叉在这一“出走——回归”的往复之路上,呈现出了一个久经历练的长者——同时也是王者的形象。时隔两年,旧作新唱,全新改编《夕阳下》将无愧为一部再度值得我们反复咀嚼的力作。
1.《七里香》周杰伦 《七里香》是周杰伦于2004年8月3日发行的专辑。该专辑的制作人由周杰伦担任,共收录了10首歌曲。 2005年,该专辑获得第16届台湾金曲奖年度最佳专辑提名、HITO流行音乐奖年度DJ最爱专辑等奖项 在周杰伦的各种歌陪伴下长大,从前听时候心里想的是歌词,是歌词里的画面,后来,再听到这些歌的时候,心中浮现的就变成了某个人,某些过去时光的片段。 雨下整夜,我的爱溢出就像雨水, 院子落叶,跟我的思念厚厚一叠, 几句是非,也无法将我的热情冷却, 你出现在我诗的每一页。 歌词没有变,字字句句都和小时候一样,但听的人变了,这里面的每一个画面都从幼时对青春对感情的懵懂憧憬,变成了说不出口的淡淡遗憾。 我接着写,把永远爱你写进诗的结尾, 你是我唯一想要的了解。 我不再轻易去听这些歌, 因为你出现在歌词的字里行间。 2. 陈奕迅《时光倒流二十年》 刚开始听这首歌的时候我认为是单纯的去讲一个人对自己爱慕对象的爱,想要融入对方的童年生活,成为青梅竹马。除了有“相见恨晚”的意味,我觉得更多的是想彻底了解一个人,想从童年就开始,属于那种爱一个人爱了其全部的意思。还有就是,想连那二十年的快乐与美丽也统统占有。 但是后来再去听的时候,到了最后几句: 拿着你相簿 从头细看 你六岁当天 已是我偶像 我发现原来老爷不单单是在写一种爱慕,其中也是包含了一种缘分。 我如今是那么爱你,爱到想与你拍手唱儿歌度过童年时光。翻你相簿的时候却发现你六岁那时我就见过你,并早已把爱慕的种子埋在心里。 时隔那么多年,它生根发芽,长出粗壮的枝叶。我想追根溯源,那源头竟真的是你。 最近看到一句话,感觉很适合听这首歌的心路历程: "有些歌你听第一遍的时候根本提不起兴趣听第二遍,但是当你万一有幸又听了第二遍,你会发现原来你还可以继续听一万遍" 《亡命之徒》是由李宗盛、罗大佑与周华健作词,张震岳作曲[1],纵贯线乐队演唱的一首歌曲,该曲于2008年12月17日以单曲的形式发行[2],后收录在纵贯线2009年发行的专辑《北上列车》中[3]。该曲也是纵贯线乐队组团后创作的第一支单曲。 在内地的版本中,该曲改名为《出发》,纵贯线凭借该曲登上了2009年中央电视台春节联欢晚会。[4]2010年,该曲获得了第21届台湾金曲奖最佳年度歌曲奖提名[5]与2010年度华语金曲奖年度最佳国语歌曲的奖项 歌里张震岳扮演的是一个犯了大错之人,至于犯了什么错,应该是杀了人,杀人之后他非常后悔,因为他以后一辈子估计只能逃亡了,为了不连累自己的爱人和妈妈,他只能远走他乡,亡命天涯,这辈子估计再也见不到自己的爱人和妈妈,同时还遭遇了最好的朋友的背叛,见识到了到底什么是真正的道义。 而周华健、李宗盛、罗大佑(不知道大佑为什么不唱,难道是不喜欢唱说唱?)扮演的是三位智者,他们利用自己的人生经验对这位亡命之徒进行了开导。 开导从李宗盛的这句: 只是觉得今天说不定是个合适的日子我们就各自用舒服的姿势 用擅长的方式给人生我们的 不管是一种告解还是一份答辩词 开始 最后也在李宗盛的这句: 你说的亡命之徒是不是大概就是这个意思 中结束。 听完这首歌,心中有很多话久久讲不出来,真的这就是大叔的力量和魅力,这种歌真不是一般人能写出来的,才华和人生阅历缺一不可,而纵贯线里四尊大神都具备了这两个条件,真的很想知道这四位大叔在这这首歌时思维是怎么碰撞的,估计他们自己也为自己能写出这种歌而振奋激动吧。 初听李宗盛时,觉得他的歌、简单、直白、旋律也太过简单。远不如林夕填词的巧妙与委婉来的惊艳。就算听他的歌也是听其他歌手的版本,直到认真听后才发现他的歌的妙处,他的唱法听起来很平常,用念字法淡淡的说出来。没有华丽的技巧,也没有百转千回的感叹。依字行腔,搭配的恰到好处。年轻时嗓音粗野高昂,走过半辈子后带了点黯淡感伤。他的歌里有一种很大众的情怀,是什么就唱什么。不矫柔做作,不无病呻吟,不夸大痛苦。真实,却最能打动人。于无声处起惊雷。 4.《笑忘书》 林王之间,还有许多趣事。 据林夕说,王菲的《笑忘书》里面的歌词有很多lalalala,原来那些lalala都是有歌词的。然而王菲觉得麻烦,就啦啦啦的给啦掉了~ 这首歌太苦了,可能就是因为成长是个痛苦的过程,所以我们总在回顾过去。 背负起责任——放弃年少梦想——接受头顶不总是晴空——适应失望、得失,和沮丧——沉溺于烦恼喧嚣——学会隐藏内心困苦不与他人说——明白抉择本就因为难以两面兼顾 每个人都有每个人的快乐与得失,会因一件小小的事情而感动,哪怕那件事与自己无关。人生从童话书,到情书,再到遗书,我们一生都在追寻自己想要的答案,愿无岁月可回首,是因为希望你如今过得比从前好,才不会深陷回忆,使你频频回头。 这首歌,大概是说人生总是如此,希望我们都能过得比从前好吧。
我们爱一座城,是爱那座城里的人和故事。 《City of stars》 《爱乐之城》与众不同的是,他的绝大多数歌舞片段并没有省事的发生在舞台上,而是巧妙的利用了洛杉矶这座城市本身的梦幻气质。La La Land这个英语中用来形容不切实际的梦幻之地的名词,也正是洛杉矶的昵称。对此,沙泽勒曾在采访中说,“洛杉矶和其他城市不同,一座城市,由怀有不切实际梦想的人构成,并且把自己全部押在梦想上。” 实际上,无论是洛杉矶,还是纽约、巴黎、北京、上海,所有大城市都聚集了怀有梦想的人,这正是所有大城市让人无比向往又让人无比心碎的魅力所在。但是,洛杉矶确实强化了这种特点,不管是春夏秋冬都阳光得没心没肺的气候,还是每天都壮丽得像一段帕瓦罗蒂的咏叹调的夕阳,都让不切实际的追梦显得合情合理。这样的环境也让歌舞片段显得恰如其分。 导演巧妙地夸张了洛杉矶本身的浪漫气质,阳光明媚的高速公路,玫瑰色夕阳下的海边栈道和格里菲斯天文台,这些洛杉矶人人都无比熟悉的场景,都成了唱歌跳舞的绝妙舞台,而且让人觉得美景与歌舞是如此般配,对堵车和天气的吐槽也变成了这个城市令人会心一笑的可爱。 我想,《爱乐之城》这个故事应该有另一个结局。五年后,米娅并没成为名演员,塞巴斯蒂安也没开成梦想的酒馆,他们都离开了洛杉矶,各自结婚生子,生活归于平淡。他们也许相遇也许没有,但是对于曾经努力追梦的往事,对少年时曾经轰轰烈烈的爱情并不后悔。 这可能是现实生活中最可能发生的结局,但我们并不要看这个结局。 毕竟,这是电影,而电影本身也是La La Land的一种,到不了洛杉矶、纽约或巴黎的我们,需要色彩鲜艳的梦照进惨淡的人生,然后继续前行。 《热河》李志 他就像是民谣圈里的南京城,无意成为北上广那类喧嚣繁杂的时代熔炉,也没想过姹紫嫣红。 李志的歌带去了整个南京,也包括那条伤心的热河路。 热河路十年前,就是南京的边缘地带,它也热闹,但却是另一种。 以惠民桥市场为中心,周围都是住宅区,不过很烂就是了。很多外地人住在这里,这里很脏,很臭,很拥挤,住在这也不是为了别的,混口饭吃。旁边有个二粮仓库,有个运粮用的滑道,小学经常和同学去那玩,也经常被保安追着打。怎么说呢,十年前的热河路,就是外来务工人员的聚集地 走在热河的路上,歌里的样子大约是15年前。 仿佛看见小巷口一家破破旧旧的早餐店里,一个头发花白的老头点了两个煎包,就着一盘花生米下了一瓶洋河大曲。他的烟找不到了,隔壁桌的大爷递上了一根南京。 出来阳光印在热河路温暖而又宁静。 现在的热河路有了商场,有了写字楼,但最美的样子依然是曾经的热河。 也许真的有一天,我再走一遍已建好的热河路,从原来的巷子走过,如果它还保留的话,会不会有个漂亮的潘西走过来,跟我说: “你好,阿去次龙虾啊?” 15年以后40岁的李志,还没老,但有点累了。 人到中年,一方面嘲讽生活,牢骚满腹。另一方面无可奈何又无话可说。 对于一座城市的评价,确是有一套科学的标准的,每年各种榜单也是层出不穷。但这不是我们爱上它的理由。我们爱一座城,是爱那座城里的人和故事。 《hotel California》 《加州旅馆》Eagles(老鹰)乐队是美国七十年代最成功的乐队,将它们称为美国乃至世界最杰出的摇滚乐队之一也一点不过分。乐队的每张专辑都较好也叫座,唱片销售额已近4亿美元,他们的每一张专辑的销量都超出金唱片的销量(即五十万张)。尤其是乐队于1976年底推出的专辑《加州旅馆》(Hotel California)被誉为七十年代美国最重要的专辑唱片。Eagles乐队是一支极具亲和力的乐队,走的是一条从“乡村摇滚”到“纯摇滚”的路线,曲调起伏不大,但显得极为顺畅,旋律相当优美,尤其是早期还经常使用一种班卓琴,极富乡村特色。本专辑《加洲旅店》可以说是老鹰乐队在最佳状态最佳组合时完成的旷世杰作。专辑混乱而低调内容使他成为70年代社会问题的代表作,销量在一千五百万张以上。 加州旅馆,可以随时结账,却永远无法离开,那这到底是什么地方呢? 网友的解读之一便是加州旅馆乃一家戒毒所,位于南加州公路旁,老鹰队员曾经吸毒与入院,由此经历创作词曲。这种自愿戒毒院主要为中产阶层而开,介于疗养院与戒毒所之间。毒品的瘾性使得人可以在某段时间痊愈而离开戒毒院,不过却永远无法摆脱瘾症,所以说,“你可以一时结账,却永远无法离开”。 也有人说它是一所精神病院。歌词内容都是幻听和幻视的表现。精神病也和毒品一样,人可以觉得暂时正常,却无法保证将来是正常的,永远无法离开那瘾症。 也有人所它指涉了美国上世纪七十年代糜烂的音乐界或者当时庸俗与颓废的社会。 反正,加州旅馆寓意的都是不好的时代和场所。 它的表面和它的实在相差太远了。 加州旅馆这个主题意象象征了什么?它象征了70年代主流美国人追逐的物质主义,即追求物质生活和以金钱地位为标准的价值观。再引申一点,物质主义是美国社会的资本主义制度之源,是30-40年代共产党和左翼民谣歌手反对的,40-50年代“垮掉一代”唾弃的,60年代嬉皮士反叛的体制的根本。“加州旅馆”所象征的与60年代《飞越疯人院》里疯人院所象征的完全是一个东西,只不过加州旅馆羁困的是那些曾经激烈反叛它的一代人。这个寓意不需要作者或其他什么人指定,这是70年代的现实,是过来人的共鸣。历经过反文化运动的婴儿潮一代到了60年代末70年代初感到身心疲惫,许多人回到了他们决裂的家庭和30岁以上的父母身边,许多人“不能与心爱的人在一起”开始与“在一起的人相爱”,建立自己的家庭、呵护自己的子女,摆脱“不良习惯”,回到“现实生活”。可是不久他们中很多人发现,他们失去了最珍贵的东西:自由、激情和理想。而这些失去的东西,他们再也找不回来了,无论他们怎么努力。——这就是“加州旅馆”这首歌的内容所象征的。

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